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El cine en blanco y negro está de moda. Estas son las películas que no te puedes perder

Disfruta de la hermosa cinematografía de estas 9 películas disponibles por transmisión directa en este momento (y no te pierdas algunos de los aspirantes a un Óscar).

(De izquierda a derecha) Caitriona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Jude Hill y Lewis McAskie en "Belfast".

Rob Youngson/Focus Features

(De izquierda a derecha) Caitríona Balfe, Jamie Dornan, Judi Dench, Jude Hill y Lewis McAskie en “Belfast”.

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Hace tiempo que los aficionados del cine hablan extasiados sobre la potencia de las películas en blanco y negro. En los últimos años, los críticos han aclamado filmes como RomaThe Artist, Nebraska y The Lighthouse. Pero la tendencia hacia el cine contemporáneo en blanco y negro quizás llegó a su apogeo el año pasado, con muchos ejemplos que participan en la carrera hacia un premio Óscar (y una película, Nightmare Alley, que se lanzó en versiones en blanco y negro y a color). Desde una tragedia de Shakespeare inspirada por el expresionismo alemán hasta la adaptación de una novela sobre el Renacimiento de Harlem y un vistazo nostálgico a la Irlanda del Norte de la década de 1960, en estas nueve películas se descubre la belleza de los tonos grises. Sus cinematógrafos han dicho que prescindieron de los colores por diversos motivos artísticos.


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The Tragedy of Macbeth

La premisa: Denzel Washington (67 años) y Frances McDormand (64 años), ganadores de premios Óscar, desempeñan exquisitamente sus personajes siniestros como arribistas escoceses en esta adaptación de austera belleza del director Joel Coen (67 años), el esposo de McDormand. La trama sencilla —en la que un lord y una dama ambiciosos juran que harán todo lo posible para convertirse en reyes— se desarrolla en un escenario despoblado repleto de sombras, como una especie de mezcla entre una película de expresionismo alemán, una pintura de M.C. Escher y un anuncio publicitario de alta moda para un perfume. Kathryn Hunter, una veterana británica de teatro de 64 años, acapara la atención interpretando el trío de brujas cuya profecía pone en marcha la acción de esta tragedia.

El cinematógrafo: Bruno Delbonnel, de 65 años, quien obtuvo nominaciones al premio Óscar por películas como Amélie e Inside Llewyn Davis, fue nominado por sexta vez por The Tragedy of Macbeth.

Por qué se hizo en blanco y negro: Delbonnel y Coen querían que la película fuera como un haiku cinematográfico; filmarla en blanco y negro aportó sencillez y abstracción, y eliminó la decoración innecesaria.

Puedes verla aquí: The Tragedy of Macbeth, en Apple TV​​​+

C’mon, C’mon

La premisa: Mike Mills, de 55 años, conocido por sus películas Beginners y 20th Century Women, dirige este filme dulcemente sobrio sobre Johnny (Joaquin Phoenix), un productor de audio soltero que forja lazos con su precoz sobrino Jesse (interpretado por Woody Norman, quien acapara la atención de todos) cuando tiene que encargarse inesperadamente de cuidarlo. Las escenas de los dos mientras afianzan sus lazos afectivos se intercalan con el proyecto de trabajo de Johnny, en el que entrevista a niños que no son actores sobre sus esperanzas para el futuro. Esta comedia dramática independiente ha pasado bastante desapercibida desde que fue estrenada con críticas entusiastas en el circuito de festivales de cine. Sin embargo, hace poco Norman fue nominado a un premio BAFTA como mejor actor de reparto por su actuación estelar.

El cinematógrafo: Robbie Ryan, de 52 años, quien obtuvo una nominación al Óscar por The Favourite y también trabajó en Marriage Story The Meyerowitz Stories.

Por qué se hizo en blanco y negro: Mills comentó a MovieMaker que para él la película fue como la historia de un adulto y un niño que viajan por paisajes. “Para mí, esa imagen es la arquetípica imagen tipo fábula”, dijo. “Es una imagen antigua, y quise crear esa especie de sensación de fábulas y mitos”. Hacerla en blanco y negro fue el marco perfecto.

Puedes verla aquí:C’mon, C’mon, eAmazon PrimeApple TV

Malcolm & Marie

La premisa: este romance elegante fue la primera película de Hollywood concebida, financiada, producida y estrenada durante la pandemia. El escritor y director Sam Levinson, mejor conocido por Euphoria, la serie de drama de adolescentes de HBO, se asoció con Zendaya, la estrella de esa serie y ganadora de un Emmy, y con John David Washington de BlacKkKlansman. Grabaron el proyecto en secreto durante el verano del 2020. La película de dos personajes muestra a un director y a su novia en la noche del gran estreno de él, mientras intercambian comentarios crueles y recitan monólogos sobre los críticos de cine y las personas negras en Hollywood.

El cinematógrafo: Marcell Rév, mejor conocido como el director de fotografía de Euphoria.​

Por qué se hizo en blanco y negro: Zendaya contó en Good Morning America que la película dio a actores negros la oportunidad de lucirse en un filme en blanco y negro, algo que nunca les ofrecieron en el pasado. “Durante la era del cine en blanco y negro, no estuvimos tan presentes”, dijo Zendaya. Luego continuó: “Quisimos rendir homenaje a esa era y recuperar esa belleza y esa elegancia con estos dos actores negros”.

Puedes verla aquí: Malcolm & Marie, en Netflix

Gunda

La premisa: lo que sí tiene este documental ruso inmersivo y meditabundo son la homónima mamá cerdo y sus cerditos, dos vacas, un pollo con una sola pata y una increíble perspectiva de la vida en una granja desde el punto de vista de los animales. Lo que no tiene son narración, diálogo, música, seres humanos ni un mensaje explícito. Al no aleccionar, la película permite que cada miembro del público decida si percibirá esta historia como sencillamente una oda a la agricultura o un poderoso tratado sobre el vegetarianismo. Manohla Dargis de The New York Times escribió que la película es “maravillosamente bella y profundamente conmovedora”. Carlos Aguilar de RogerEbert.com designó a Gunda como “un triunfo cinematográfico de poesía porcina”.

El cinematógrafo: el director Victor Kossakovsky, de 60 años, y Egil Håskjold Larsen.

Por qué se hizo en blanco y negro: Kossakovsky le dijo a British Cinematographer que los colores vivos pueden ser abrumadores o desviar la atención. “No quise mostrar lindos cerditos rosados, y créanme, son lindos de verdad”, señaló. “No quise atraer al público de esa manera. Me pareció que mostrarlos en blanco y negro nos haría enfocarnos en su ser, en lugar de en su apariencia”.

Puedes verla aquí: Gunda, en Amazon PrimeApple TVHuluYouTube


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Belfast

La premisa: el escritor y director Kenneth Branagh (61 años) extrajo las experiencias de su niñez para este relato nostálgico sobre la llegada a la mayoría de edad ambientado en Irlanda del Norte durante la década de 1960, con Jude Hill, una nueva estrella, quien interpreta a Buddy —Branagh a los 9 años—. Si bien la violencia sectaria se desencadena frente a su puerta principal, adentro hay amor, como lo demuestran Pa (Jamie Dornan), Ma (Caitríona Balfe), y los nominados a mejores actores de reparto Granny (Judi Dench, de 87 años) y Pop (Ciarán Hinds, de 69 años). La película se rodó en blanco y negro excepto en algunos segmentos a color, sobre todo cuando Buddy y su familia están mirando películas en tecnicolor como Chitty Chitty Bang Bang, quizás en homenaje al poder para alterar la realidad que tuvo el cine sobre la mente joven del futuro director. ​

El cinematógrafo: Haris Zambarloukos, de 51 años, quien ha trabajado con Branagh en muchas de sus películas, entre ellas ThorCinderella y Death on the Nile, del 2022.

Por qué se hizo en blanco y negro: Zambarloukos contó a Entertainment Weekly que una película en blanco y negro “amplifica la emoción que se encuentra ahí y parece ser una forma más lúcida y directa de sentir lo que están sintiendo los actores. Es menos descriptiva que cuando es a color. No nos da tanta información, pero nos ofrece algo más”.

Puedes verla aquí: Belfast, en Amazon PrimeApple TVYouTube

El Planeta

La premisa: esta comedia negra con toques surrealistas, que se estrenó en enero del 2021 en el Festival de Cine Sundance, muestra a un dúo de madre e hija que se convierten en estafadoras cuando están a punto de ser desalojadas en la España postcrisis económica. El Planeta, con una vibra desaliñada que hace alusión a las películas independientes de la década de 1980, también es protagonizada por un dúo de madre e hija: la escritora, directora, productora y actriz Amalia Ulman y su madre Ale, quien actúa por primera vez. Se rodó en Gijón, una ciudad costera donde se crio Amalia.

El cinematógrafo: Carlos Rigo Bellver, quien se inspiró en Hotel by the River de Hong Sang-Soo y Stranger Than Paradise de Jim Jarmusch cuando ambientó la película. ​

Por qué se hizo en blanco y negro: Ulman contó a The Film Stage que le encanta usar plantillas en su trabajo, y que debido a que esta era una película europea, deseaba basarse en la nueva ola francesa y las influencias neorrealistas. Pero hubo además un motivo más pragmático: dado que el clima en esta zona de España es igual de lluvioso y nublado que el de las Islas Británicas, si la película se hubiera filmado a color, habría sido grisosa y necesitado muchas correcciones de color.

Puedes verla aquí: El Planeta, en Amazon PrimeApple TV​​​

The French Dispatch (¡solo algunas partes!)

La premisa: Wes Anderson, de 52 años, conocido por sus creaciones cinematográficas sobresaturadas, no había hecho nada en blanco y negro desde su cortometraje de 1992, “Bottle Rocket”. Su última película es una oda al mundo editorial en episodios, con cada segmento dedicado a un artículo del ejemplar final de The French Dispatch, una revista inspirada por The New Yorker. Ambientada en la ciudad francesa imaginaria Ennui-sur-Blasé, la película intercala entre blanco y negro (el pasado) y color (el presente). El reparto incluye a Bill Murray (71 años), Frances McDormand (64 años), Benicio del Toro (54 años) y Tilda Swinton (61 años). Además, Bruno Delbonnel (65 años), cinematógrafo de The Tragedy of Macbeth, actúa en el papel secundario de Tip-top.

El cinematógrafo: Robert D. Yeoman (70 años), quien ha filmado todas las películas de acción de Anderson y fue nominado a un premio Óscar por The Grand Budapest Hotel.

Por qué se hizo en blanco y negro: solo hace falta ver por unos minutos a Timothée Chalamet en el papel del estudiante revolucionario Zeffirelli en el segmento “Revisions to a Manifesto” para darse cuenta de la gran influencia que los cineastas de la nueva ola francesa Jean-Luc Godard y François Truffaut tuvieron sobre Anderson.

Puedes verla aquí: The French Dispatch, en Amazon PrimeApple TV​​

Passing

La premisa: para su debut como directora, la actriz británica Rebecca Hall (a quien quizás recuerdes de Vicky Cristina Barcelona) adaptó una novela muy subvalorada de 1929, escrita por Nella Larsen, que cuenta la historia de dos mujeres negras de piel clara en el Nueva York de la década de 1920; cada una emprende rumbos muy distintos: una (Tessa Thompson) está casada con un médico negro en Harlem y vive como una mujer negra; la otra (Ruth Negga) “se hace pasar” por una mujer blanca. La inspiración que tuvo Hall para contar esa historia fue enterarse de que su propia madre, una cantante de ópera nacida en Detroit, quien había vivido como una mujer blanca, era en realidad birracial.

El cinematógrafo: Eduard Grau, quien rodó A Single Man y Boy Erased.

Por qué se hizo en blanco y negro: desde un punto de vista práctico, Hall dijo que contó con la exposición de las cámaras y la iluminación para que sus actrices negras parecieran blancas sin depender del maquillaje. Pero además de eso, a la directora le encantó el potencial simbólico del blanco y negro. Dijo a The San Francisco Chronicle: “Esta es una película sobre las categorías y la obsesión por colocar a todos en recipientes, o los recipientes en los que todos los demás nos ponen. La ironía de las películas en blanco y negro es que son grises; nunca incluyen nada solo blanco ni negro”.

Puedes verla aquí: Passing, en Netflix

​​​Faya Dayi

La premisa: el tema de este documental fascinante e hipnotizador es el cultivo comercial más lucrativo de Etiopía, el khat, una planta estimulante que causa euforia cuando se mastica y que los musulmanes sufistas han usado durante siglos en sus rituales de meditación. En su primera película, la cineasta mexicana-etíope Jessica Beshir entretejió historias entrelazadas sobre habitantes locales que participan en el comercio del khat, desde segadores hasta comerciantes, místicos y adictos. Contó a The Hollywood Reporter que la inspiración para la estructura de la película fue la arquitectura antigua de su escenario, la ciudad amurallada de Harar: “Al andar en zigzag a través de un laberinto, no sabemos en realidad lo que viene después. Vagamos hacia lo desconocido, armados con nuestro instinto como guía.

La cinematógrafa: Beshir, quien además escribió, dirigió y produjo la película.

Por qué se hizo en blanco y negro: la interacción entre luz y sombra ayuda mucho a crear una experiencia de ensueño, casi como si los espectadores mismos hubieran masticado el khat.

Puedes verla aquí: Faya Dayi, en Criterion Channel

Nicholas DeRenzo es un escritor colaborador que cubre temas de entretenimiento y viajes. Anteriormente, fue editor ejecutivo de la revista Hemispheres de United Airlines, y sus artículos se han publicado en The New York Times, Conde Nast Traveler, Travel & Leisure, Sunset y la revista New York.